ACCADEMIA del MUSICAL di CASTROCARO

LABORATORIO ALTA FORMAZIONEdi TEATRO, CANTO, RECITAZIONE, DANZA: MUSICAL THEATRE!

MUSICAL SINGING and PERFORMING: Tecnica Vocale, Corporea, Recitazione e Interpretazione nel Canto e nel Musical Theatre (ACTING THROUGH SINGING): la VOCE e il CORPO: BELT, LEGIT, MIXED VOICE e molto altro…

MUSICAL SINGING AND PERFORMING – Acting through Singing

7-8 Ottobre 2017, 11-12 Novembre 2017, 10-11 Marzo 2018, 12-13 Maggio 2018

LAVORO SU CORPO e VOCE, TECNICA VOCALE, CANTO e INTERPRETAZIONE
PER IL CANTO, LA RECITAZIONE, IL MUSICAL THEATRE
MASTERCLASS/WORKSHOP INTENSIVO
PER CANTANTI (DI QUALSIASI STILE), ATTORI, PERFORMER DI MUSICAL THEATRE, DANZATORI
professionisti e non professionisti
DOCENTI: FABIOLA RICCI, GIULIO BENVENUTI

 

TECNICA VOCALE, TECNICA CORPOREA, INTERPRETAZIONE SCENICA E ATTORIALE, STUDIO DEL REPERTORIO, TROVARE LA VERITÀ DEL PERSONAGGIO,COMUNICARE AL PUBBLICO IN MANIERA EFFICACE.

I WORKSHOP/MASTERCLASS COSTITUISCONO UN PERCORSO UNICO ED APPROFONDITO, MA POSSONO ESSERE FREQUENTATE ANCHE SINGOLARMENTE.

In ogni Masterclass i Partecipanti sono invitati a presentare a memoria un brano dal Repertorio Musical Theatre (No opera popolare) ed un monologo recitato di max 3 minuti

– COME RAGGIUNGERE LA SINERGIA CORPO-VOCE

– POTENZIARE NATURALMENTE LA PROPRIA VOCE CANTATA, RECITATA E PARLATA

– IMPARARE IL VERO SIGNIFICATO DI CANTO e RECITAZIONE NEL MUSICAL THEATRE, E DEL FONDAMENTALE SIGNIFICATO DI “CORPO CHE COMUNICA”

– CANTARE QUALSIASI STILE MUSICALE SENZA AFFATICARE LA VOCE

– IMPARARE LA PRESENZA SCENICA, LA CREDIBILITA’ SUL PALCOSCENICO e a COMUNICARE CON IL PUBBLICO RECITANDO, CANTANDO o DANZANDO, ATTRAVERSO LA FONDAMENTALE UNIONE DELLO STRUMENTO CORPO E DELLO STRUMENTO VOCE

Foto MUSICAL SINGING and PERFORMING             ____________________________________________________________

ALCUNI ARGOMENTI SVILUPPATI

Docente: FABIOLA RICCI – (Metodo VOICE On STAGE©):

– unione CORPO-VOCE: il Performer e il significato di “corpo che comunica”
– gestione dello spazio scenico: improvvisazione guidata di gruppo
– il senso del corpo in scena come individuo e come gruppo
– la forza della coralità
– lo STATO EMOTIVO dell’ATTORE e lo STATO EMOTIVO del PERSONAGGIO: conseguente COMUNICAZIONE efficace e credibile verso il Pubblico
– riempire la scena, ovvero “LESS IS MORE”: l’energia e la presenza scenica del performer
– il musical è innanzitutto recitazione
– il musical non è un genere musicale ma teatrale
– il performer e la performance, l’integrazione del cantare e danzare recitando un personaggio
– differenza tra fare ed essere: la verità e la credibilità del personaggio
– lo studio del personaggio, suoi rapporti con gli altri personaggi e ruolo all’interno della storia
– la tecnica vocale nel canto e nella recitazione (Metodo VOICE ON STAGE)
– Belt, Legit e molto altro: le diverse vocalità, le diverse emissioni
– il carattere della voce come parte integrante del carattere del personaggio
– cantare il repertorio (a seconda del musical che si interpreta)
– cantare un brano da concerto e cantare un brano da musical: il canto teatrale
– importanza della pronuncia corretta – dizione e fonetica inglese (o altra lingua)
– cantare mentre ci si muove o si danza senza fare “ballare” la voce
– come evitare l’affaticamento vocale
– il microfono nel Musical Theatre: imparare a gestirlo fisicamente e acusticamente / il “Palco Muto”
INOLTRE:
IL DIAFRAMMA e le CORDE VOCALI: – cosa sono – a cosa servono e come funzionano
– TROVARE IL PROPRIO SUONO NELLA VOCE PARLATA, NELLA VOCE RECITATA, NELLA VOCE CANTATA: impadronirsi delle tecniche, conoscere il proprio timbro e la propria estensione (parlando, recitando, cantando) – esercizi specifici.
– La “voce di orecchie” (“ears voice”)
– voce di petto (M1), voce di testa (M2), registro di fischio (M3), suoni sovraglottici (M0)
– l’intonazione – imparare attivamente ad ascoltare e ad ascoltarsi, non solo a sentire e sentirsi
– il lavoro fisico sul corpo – fondamentale punto di partenza per arrivare ad un ottimo utilizzo della Voce, e ad un’ottima credibilità e presenza scenica
– trovare la sintonia perfetta respirazione-voce-corpo, anche al fine della resistenza fisica, per andare in scena 8 volte a settimana in grande forma
– l’equilibrio attraverso il disequilibrio
– la “maschera” è un concetto limitante: le vibrazioni percepite in quella zona sono solo una piccolissima parte delle sensazioni che il cantante/attore può avvertire nell’atto della produzione del suono. Insistere con il concetto di “voce in maschera” e “proiezione del suono” provoca anche fastidiosa e costante nasalizzazione del suono, nasalizzazione che va eventualmente ricercata solo per alcune interpretazioni particolari.
– Le reali cavità di risonanza e i concetti di “risonanza” e “consonanza”.
– perché, di conseguenza, pensare di “proiettare il suono in avanti, in maschera” risulta, nel tempo, deleterio per la salute della voce, che rischia di invecchiare precocemente.
L’INTERPRETAZIONE
– Fare diventare propria l’esecuzione di un brano recitato o cantato:
– il testo
– recitare / cantare un testo italiano
– recitare / cantare un testo in inglese (o altra lingua)
– importanza della pronuncia corretta (e varie sfumature)
– cantare un testo da musical
– la musica e il ritmo (nel recitato e nel cantato)
– cantare le note
– appoggiature, portamenti e altri abbellimenti
– Recitare / cantare con la voce e col corpo: LA PRESENZA SCENICA dell’attore, del cantante, del musical performer (STAGE PRESENCE)
lo STATO EMOTIVO dell’ATTORE e lo STATO EMOTIVO del PERSONAGGIO: conseguente COMUNICAZIONE efficace e credibile verso il Pubblico
– il Microfono nel Musical Theatre: imparare a gestirlo fisicamente e acusticamente / il “PALCO MUTO”
IL CANTO SOLISTICO, IL CANTO CORALE, IL CANTO NEL MUSICAL:
– il cantante solista e il performer di musical
BELT, LEGIT, MIXED VOICE E MOLTO ALTRO
– imparare a cantare in maniera sana per essere ottimi e consapevoli artisti: imparare la VOCE MISTA come le più grandi popstar e gli straordinari performer di Musical Theatre, per avere più potenza vocale in tutta l’estensione col minimo sforzo (leggi: quando cantare “in petto” è inutile, limitativo e dannoso, perché accelera il processo di invecchiamento della Voce)
– non esiste una voce “Vera” e una voce “falsa”: la Voce è VERA tutta, il punto è svilupparne l’ESTENSIONE COMPLETA (2 ottave e mezzo/3 ottave), imparando a cantare col massimo della resa e il minimo dello sforzo.
– differenze di emissione tra Legit e Belt – esempi ed esercizi per capirne la differenza
–il Belt deve essere imparato anche dagli attori, per avere una grande resa sonora durante la recitazione (quindi: il Belt non ha a che fare solo col canto)
– la tecnica del Belt deve essere insegnata da vocal trainer con grande e lunga esperienza, solo così si preserva la salute della voce
TECNICA VOCALE e INTERPRETAZIONE CANTATA E RECITATA: IMPOSSIBILE DISGIUNGERE L’UNA DALL’ALTRA.
– perché serve la tecnica vocale: imparare a non farsi male per non perdere la voce e cantare (e recitare) per molti anni
– trovare “il suono giusto”
– trasportare un brano in un’altra tonalità
– la presenza sul palco del cantante
– comunicare con il pubblico mentre si canta
– le mani (libere o occupate dal microfono palmare)
– i piedi
– il corpo
– lo sguardo
– esecuzione di un brano a scelta (previo accordo col pianista o su base)
– commenti, idee, suggerimenti per l’interpretazione di tale brano
– come preparare un’audizione, mock auditions, leggere e capire il bando di un’audizione
INFLUENZA DEL CIBO E DEGLI AGENTI ESTERNI SULL’ORGANO FONATORIO:
– igiene della voce: carboidrati, formaggio, caffeina, acqua, cibi salati, sigarette… come influiscono sulla voce
– importanza del foniatra, il medico delle corde vocali, a cui bisogna ricorrere raramente e solo in caso di necessità, altrimenti meglio cambiare insegnante di canto/recitazione.
– l’intonazione – imparare attivamente ad ascoltare e ad ascoltarsi, non solo a sentire e sentirsi
– il lavoro fisico sul corpo – fondamentale punto di partenza per arrivare ad un ottimo utilizzo della Voce, e ad un’ottima credibilità e presenza scenica
– trovare la sintonia perfetta respirazione-voce-corpo, anche al fine della resistenza fisica, per andare in scena 8 volte a settimana in grande forma
– come preparare un’audizione / leggere e capire il bando di un’audizione.

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SI APPROFONDIRANNO INOLTRE I SEGUENTI ARGOMENTI, con i Docenti FABIOLA RICCI e GIULIO BENVENUTI:

Il corpo che ognuno di noi possiede è qualcosa da cui non possiamo prescindere, per un performer riuscire a gestirlo in scena è fondamentale per raggiungere quella naturalezza che rende credibili. Pertanto è necessario lavorarlo ed allenarlo in modo da riuscire a farlo lavorare con la massima facilità e scioltezza, capendo come farlo diventare un tutt’uno con la VOCE.

E’ necessario prendere coscienza del proprio “Strumento”, imparare a conoscere il proprio corpo, capire i propri limiti, superarli per quanto possibile e prendere coscienza delle proprie doti, sentire il corpo nella sua interezza e nelle sue singole parti.

– Allenare, potenziare, elasticizzare

riscaldamento fisico, che nel corso dello studio potrà essere personalizzato su ogni studente in modo tale da riuscire a diventare autonomi nel prepararsi prima di uno show.

  1. Coordinazione e uso dello spazio

Percezione dello spazio scenico a partire dallo studio delle varie parti del corpo, prima isolandole, per arrivare ad una nuova consapevolezza nella loro coordinazione.

Studio dello spazio attraverso le diagonali ( dalle camminate a tempo, fino a veri e propri momenti di danza). Studio delle dinamiche fisiche e di movimento con finalità attoriali (es. cadute, ubriacature) o con posture legate ad una caratteristica particolare del personaggio (zoppo, cieco, etc.).

  1. Uso degli oggetti e relazione con essi, inserimento di oggetti nelle diagonali ( sedie, tavoli ecc…), creando rapporti con essi.

Studio dell’oggetto nel suo uso abituale per capire il rapporto che il personaggi ha con questo.

  1. Mettersi in scena: studio della scena data senza parole ma solo con il corpo; poi inserendo oggetti ( che servano anche ad esprimere l’emozione del personaggio ) di qualsiasi tipo; aggiunta delle parole improvvisando sul tema della scena; infine ritorno alle battute assegnate, decisione di una regia arrivando agli oggetti che davvero sono utili alla scena. Il fine è giungere all’emozione credibile per il personaggio, e giusta per la scena.
  2. Altri metodi per arrivare alla credibilità del personaggio: dal movimento al suono dell’emozione.

 

In ognuna delle Masterclass/Workshop, i brani di Musical Theatre su cui si lavorerà saranno scelti tra le opere:

Cats, Les Misérables, Rent, Chicago, Sweet Charity, Evita, Miss Saigon, Jesus Christ Superstar, Grease, A Chorus Line, The Phantom of the Opera, Next to Normal, Elisabeth, Ghost, Billy Elliot, Wicked, Jekyll & Hyde, Rocky Horror Show, Matilda + brani classici del Teatro anglosassone, italiano ed internazionale, a partire da William Shakespeare

Foto VARI MUSICAL 2  Foto VARI MUSICAL

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Foto FABI promozionale a sx vestito nero a dx sorriso con ditoFABIOLA RICCI è cantante, attrice, musical performer, Drama Teacher, Voice Trainer/Vocal Coach, regista, didatta.

Da sempre sul palcoscenico, è stata per 3 volte relatrice nel Convegno Internazionale “La Voce Artistica”, invitata dal Prof.Franco Fussi, Direttore Artistico del Convegno. È protagonista di Musical tra i quali Jesus Christ Superstar, Cats, No No Nanette, Rent e di opere teatrali tra le quali “Vecchi Tempi” di Harold Pinter e “Spettri” di Henrik Ibsen. È soprano in numerose formazioni a cappella di repertorio classico e moderno, e lead singer di varie band funky, pop, spiritual e gospel. Da sempre sul palcoscenico, è stata per 3 volte relatrice nel Convegno Internazionale “La Voce Artistica”, invitata dal Prof.Franco Fussi, Direttore Artistico del Convegno. È protagonista di Musical tra i quali Jesus Christ Superstar, Cats, No No Nanette, Rent e di opere teatrali tra le quali “Vecchi Tempi” di Harold Pinter e “Spettri” di Henrik Ibsen. È soprano in numerose formazioni a cappella di repertorio classico e moderno, e lead singer di varie band funky, pop, spiritual e gospel. È Direttrice Artistica e Didattica dell’Accademia del Musical di Castrocaro e Docente di Musical Theatre presso l’Antoniano di Bologna-“Verdi Note Academy”. Parallelamente all’attività di Performer sul palcoscenico, da 25 anni insegna in tutta Italia e all’estero, attraverso laboratori di gruppo e lezioni individuali, le discipline riguardanti il Musical Theatre, attraverso il Metodo di propria creazione VOICE On STAGE, che parte dalla tecnica corporea e vocale, per arrivare all’interpretazione scenica e attoriale, cantata e recitata, allo scopo di formare il cosiddetto triple-threat performer, ovvero l’artista di Musical Theatre, in grado di interpretare sul palcoscenico un personaggio che recita, canta e danza allo stesso tempo. Tale metodologia è adatta a qualsiasi artista che utilizzi la voce e il corpo, non solo performer di Musical Theatre (l’artista completo nelle tre discipline canto, recitazione e danza), ma anche cantanti e attori. Il suo approccio didattico può definirsi di tipo olistico, perché considera l’individuo nella sua interezza, e la mentalità è quella della ricercatrice, perché oltre ad interessarsi di psicologia, psichiatria, neurologia (si diploma all’Università di Ferrara nel Corso di Perfezionamento “Musica e Musicoterapia in Neurologia”), logopedia, posturologia, culture, letterature e lingue straniere (in cui è laureata all’Università di Bologna col massimo dei voti) e in generale di ogni attività umana, sa che è necessario non smettere mai di studiare, per rimanere sempre aggiornati sulle novità nei vari ambiti e perché crede che la conoscenza debba essere uno degli obiettivi fondamentali di ogni essere umano.

FABIOLA RICCI Bio

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