ACCADEMIA del MUSICAL di CASTROCARO

LABORATORIO ALTA FORMAZIONEdi TEATRO, CANTO, RECITAZIONE, DANZA: MUSICAL THEATRE!

MUSICAL SINGING and PERFORMING: Tecnica Vocale, Corporea, Recitazione e Interpretazione nel Canto e nel Musical Theatre (ACTING THROUGH SINGING): la VOCE e il CORPO: BELT, LEGIT, MIXED VOICE e molto altro…

MUSICAL SINGING AND PERFORMING – Acting through Singing

7-8 Ottobre 2017, 11-12 Novembre 2017, 10-11 Marzo 2018, 12-13 Maggio 2018

LAVORO SU CORPO e VOCE, TECNICA VOCALE, CANTO e INTERPRETAZIONE
PER IL CANTO, LA RECITAZIONE, IL MUSICAL THEATRE
MASTERCLASS/WORKSHOP INTENSIVO
PER CANTANTI (DI QUALSIASI STILE), ATTORI, PERFORMER DI MUSICAL THEATRE, DANZATORI
professionisti e non professionisti

TECNICA VOCALE, TECNICA CORPOREA, INTERPRETAZIONE SCENICA E ATTORIALE, STUDIO DEL REPERTORIO, TROVARE LA VERITÀ DEL PERSONAGGIO,COMUNICARE AL PUBBLICO IN MANIERA EFFICACE.

DOCENTI: FABIOLA RICCI, GIULIO BENVENUTI
Angelo Fernando Galeano

ANGELO FERNANDO GALEANO

Sabato 11 Novembre 2017 ANGELO FERNANDO GALEANO terrà il Seminario “BREVE STORIA  della TECNICA VOCALE”, all’interno della Masterclass “Musical Singing and Performing”.

 

I WORKSHOP/MASTERCLASS COSTITUISCONO UN PERCORSO UNICO ED APPROFONDITO, MA POSSONO ESSERE FREQUENTATI ANCHE SINGOLARMENTE.

In ogni Masterclass i Partecipanti sono invitati a presentare a memoria un brano dal Repertorio Musical Theatre (No opera popolare) ed un monologo recitato di max 3 minuti

– COME RAGGIUNGERE LA SINERGIA CORPO-VOCE

– POTENZIARE NATURALMENTE LA PROPRIA VOCE CANTATA, RECITATA E PARLATA

– IMPARARE IL VERO SIGNIFICATO DI CANTO e RECITAZIONE NEL MUSICAL THEATRE, E DEL FONDAMENTALE SIGNIFICATO DI “CORPO CHE COMUNICA”

– CANTARE QUALSIASI STILE MUSICALE SENZA AFFATICARE LA VOCE

– IMPARARE LA PRESENZA SCENICA, LA CREDIBILITA’ SUL PALCOSCENICO e a COMUNICARE CON IL PUBBLICO RECITANDO, CANTANDO o DANZANDO, ATTRAVERSO LA FONDAMENTALE UNIONE DELLO STRUMENTO CORPO E DELLO STRUMENTO VOCE

Foto MUSICAL SINGING and PERFORMING             ____________________________________________________________

ALCUNI ARGOMENTI SVILUPPATI

Docente: FABIOLA RICCI – (Metodo VOICE On STAGE©):

– unione CORPO-VOCE: il Performer e il significato di “corpo che comunica”
– gestione dello spazio scenico: improvvisazione guidata di gruppo
– il senso del corpo in scena come individuo e come gruppo
– la forza della coralità
– lo STATO EMOTIVO dell’ATTORE e lo STATO EMOTIVO del PERSONAGGIO: conseguente COMUNICAZIONE efficace e credibile verso il Pubblico
– riempire la scena, ovvero “LESS IS MORE”: l’energia e la presenza scenica del performer
– il musical è innanzitutto recitazione
– il musical non è un genere musicale ma teatrale
– il performer e la performance, l’integrazione del cantare e danzare recitando un personaggio
– differenza tra fare ed essere: la verità e la credibilità del personaggio
– lo studio del personaggio, suoi rapporti con gli altri personaggi e ruolo all’interno della storia
– la tecnica vocale nel canto e nella recitazione (Metodo VOICE ON STAGE)
– Belt, Legit e molto altro: le diverse vocalità, le diverse emissioni
– il carattere della voce come parte integrante del carattere del personaggio
– cantare il repertorio (a seconda del musical che si interpreta)
– cantare un brano da concerto e cantare un brano da musical: il canto teatrale
– importanza della pronuncia corretta – dizione e fonetica inglese (o altra lingua)
– cantare mentre ci si muove o si danza senza fare “ballare” la voce
– come evitare l’affaticamento vocale
– il microfono nel Musical Theatre: imparare a gestirlo fisicamente e acusticamente / il “Palco Muto”
INOLTRE:
IL DIAFRAMMA e le CORDE VOCALI: – cosa sono – a cosa servono e come funzionano
– TROVARE IL PROPRIO SUONO NELLA VOCE PARLATA, NELLA VOCE RECITATA, NELLA VOCE CANTATA: impadronirsi delle tecniche, conoscere il proprio timbro e la propria estensione (parlando, recitando, cantando) – esercizi specifici.
– La “voce di orecchie” (“ears voice”)
– voce di petto (M1), voce di testa (M2), registro di fischio (M3), suoni sovraglottici (M0)
– l’intonazione – imparare attivamente ad ascoltare e ad ascoltarsi, non solo a sentire e sentirsi
– il lavoro fisico sul corpo – fondamentale punto di partenza per arrivare ad un ottimo utilizzo della Voce, e ad un’ottima credibilità e presenza scenica
– trovare la sintonia perfetta respirazione-voce-corpo, anche al fine della resistenza fisica, per andare in scena 8 volte a settimana in grande forma
– l’equilibrio attraverso il disequilibrio
– la “maschera” è un concetto limitante: le vibrazioni percepite in quella zona sono solo una piccolissima parte delle sensazioni che il cantante/attore può avvertire nell’atto della produzione del suono. Insistere con il concetto di “voce in maschera” e “proiezione del suono” provoca anche fastidiosa e costante nasalizzazione del suono, nasalizzazione che va eventualmente ricercata solo per alcune interpretazioni particolari.
– Le reali cavità di risonanza e i concetti di “risonanza” e “consonanza”.
– perché, di conseguenza, pensare di “proiettare il suono in avanti, in maschera” risulta, nel tempo, deleterio per la salute della voce, che rischia di invecchiare precocemente.
L’INTERPRETAZIONE
– Fare diventare propria l’esecuzione di un brano recitato o cantato:
– il testo
– recitare / cantare un testo italiano
– recitare / cantare un testo in inglese (o altra lingua)
– importanza della pronuncia corretta (e varie sfumature)
– cantare un testo da musical
– la musica e il ritmo (nel recitato e nel cantato)
– cantare le note
– appoggiature, portamenti e altri abbellimenti
– Recitare / cantare con la voce e col corpo: LA PRESENZA SCENICA dell’attore, del cantante, del musical performer (STAGE PRESENCE)
lo STATO EMOTIVO dell’ATTORE e lo STATO EMOTIVO del PERSONAGGIO: conseguente COMUNICAZIONE efficace e credibile verso il Pubblico
– il Microfono nel Musical Theatre: imparare a gestirlo fisicamente e acusticamente / il “PALCO MUTO”
IL CANTO SOLISTICO, IL CANTO CORALE, IL CANTO NEL MUSICAL:
– il cantante solista e il performer di musical
BELT, LEGIT, MIXED VOICE E MOLTO ALTRO
– imparare a cantare in maniera sana per essere ottimi e consapevoli artisti: imparare la VOCE MISTA come le più grandi popstar e gli straordinari performer di Musical Theatre, per avere più potenza vocale in tutta l’estensione col minimo sforzo (leggi: quando cantare “in petto” è inutile, limitativo e dannoso, perché accelera il processo di invecchiamento della Voce)
– non esiste una voce “Vera” e una voce “falsa”: la Voce è VERA tutta, il punto è svilupparne l’ESTENSIONE COMPLETA (2 ottave e mezzo/3 ottave), imparando a cantare col massimo della resa e il minimo dello sforzo.
– differenze di emissione tra Legit e Belt – esempi ed esercizi per capirne la differenza
–il Belt deve essere imparato anche dagli attori, per avere una grande resa sonora durante la recitazione (quindi: il Belt non ha a che fare solo col canto)
– la tecnica del Belt deve essere insegnata da vocal trainer con grande e lunga esperienza, solo così si preserva la salute della voce
TECNICA VOCALE e INTERPRETAZIONE CANTATA E RECITATA: IMPOSSIBILE DISGIUNGERE L’UNA DALL’ALTRA.
– perché serve la tecnica vocale: imparare a non farsi male per non perdere la voce e cantare (e recitare) per molti anni
– trovare “il suono giusto”
– trasportare un brano in un’altra tonalità
– la presenza sul palco del cantante
– comunicare con il pubblico mentre si canta
– le mani (libere o occupate dal microfono palmare)
– i piedi
– il corpo
– lo sguardo
– esecuzione di un brano a scelta (previo accordo col pianista o su base)
– commenti, idee, suggerimenti per l’interpretazione di tale brano
– come preparare un’audizione, mock auditions, leggere e capire il bando di un’audizione
INFLUENZA DEL CIBO E DEGLI AGENTI ESTERNI SULL’ORGANO FONATORIO:
– igiene della voce: carboidrati, formaggio, caffeina, acqua, cibi salati, sigarette… come influiscono sulla voce
– importanza del foniatra, il medico delle corde vocali, a cui bisogna ricorrere raramente e solo in caso di necessità, altrimenti meglio cambiare insegnante di canto/recitazione.
– l’intonazione – imparare attivamente ad ascoltare e ad ascoltarsi, non solo a sentire e sentirsi
– il lavoro fisico sul corpo – fondamentale punto di partenza per arrivare ad un ottimo utilizzo della Voce, e ad un’ottima credibilità e presenza scenica
– trovare la sintonia perfetta respirazione-voce-corpo, anche al fine della resistenza fisica, per andare in scena 8 volte a settimana in grande forma
– come preparare un’audizione / leggere e capire il bando di un’audizione.

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SI APPROFONDIRANNO INOLTRE I SEGUENTI ARGOMENTI, con i Docenti FABIOLA RICCI e GIULIO BENVENUTI:

Il corpo che ognuno di noi possiede è qualcosa da cui non possiamo prescindere, per un performer riuscire a gestirlo in scena è fondamentale per raggiungere quella naturalezza che rende credibili. Pertanto è necessario lavorarlo ed allenarlo in modo da riuscire a farlo lavorare con la massima facilità e scioltezza, capendo come farlo diventare un tutt’uno con la VOCE.

E’ necessario prendere coscienza del proprio “Strumento”, imparare a conoscere il proprio corpo, capire i propri limiti, superarli per quanto possibile e prendere coscienza delle proprie doti, sentire il corpo nella sua interezza e nelle sue singole parti.

– Allenare, potenziare, elasticizzare

riscaldamento fisico, che nel corso dello studio potrà essere personalizzato su ogni studente in modo tale da riuscire a diventare autonomi nel prepararsi prima di uno show.

  1. Coordinazione e uso dello spazio

Percezione dello spazio scenico a partire dallo studio delle varie parti del corpo, prima isolandole, per arrivare ad una nuova consapevolezza nella loro coordinazione.

Studio dello spazio attraverso le diagonali ( dalle camminate a tempo, fino a veri e propri momenti di danza). Studio delle dinamiche fisiche e di movimento con finalità attoriali (es. cadute, ubriacature) o con posture legate ad una caratteristica particolare del personaggio (zoppo, cieco, etc.).

  1. Uso degli oggetti e relazione con essi, inserimento di oggetti nelle diagonali ( sedie, tavoli ecc…), creando rapporti con essi.

Studio dell’oggetto nel suo uso abituale per capire il rapporto che il personaggi ha con questo.

  1. Mettersi in scena: studio della scena data senza parole ma solo con il corpo; poi inserendo oggetti ( che servano anche ad esprimere l’emozione del personaggio ) di qualsiasi tipo; aggiunta delle parole improvvisando sul tema della scena; infine ritorno alle battute assegnate, decisione di una regia arrivando agli oggetti che davvero sono utili alla scena. Il fine è giungere all’emozione credibile per il personaggio, e giusta per la scena.
  2. Altri metodi per arrivare alla credibilità del personaggio: dal movimento al suono dell’emozione.

 

In ognuna delle Masterclass/Workshop, i brani di Musical Theatre su cui si lavorerà saranno scelti tra le opere:

Cats, Les Misérables, Rent, Chicago, Sweet Charity, Evita, Miss Saigon, Jesus Christ Superstar, Grease, A Chorus Line, The Phantom of the Opera, Next to Normal, Elisabeth, Ghost, Billy Elliot, Wicked, Jekyll & Hyde, Rocky Horror Show, Matilda + brani classici del Teatro anglosassone, italiano ed internazionale, a partire da William Shakespeare

Foto VARI MUSICAL 2  Foto VARI MUSICAL

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Foto FABI promozionale a sx vestito nero a dx sorriso con ditoFABIOLA RICCI è cantante, attrice, musical performer, Drama Teacher, Voice Trainer/Vocal Coach, regista, didatta.

Da sempre sul palcoscenico, è stata per 3 volte relatrice nel Convegno Internazionale “La Voce Artistica”, invitata dal Prof.Franco Fussi, Direttore Artistico del Convegno. È protagonista di Musical tra i quali Jesus Christ Superstar, Cats, No No Nanette, Rent e di opere teatrali tra le quali “Vecchi Tempi” di Harold Pinter e “Spettri” di Henrik Ibsen. È soprano in numerose formazioni a cappella di repertorio classico e moderno, e lead singer di varie band funky, pop, spiritual e gospel. Da sempre sul palcoscenico, è stata per 3 volte relatrice nel Convegno Internazionale “La Voce Artistica”, invitata dal Prof.Franco Fussi, Direttore Artistico del Convegno. È protagonista di Musical tra i quali Jesus Christ Superstar, Cats, No No Nanette, Rent e di opere teatrali tra le quali “Vecchi Tempi” di Harold Pinter e “Spettri” di Henrik Ibsen. È soprano in numerose formazioni a cappella di repertorio classico e moderno, e lead singer di varie band funky, pop, spiritual e gospel. È Direttrice Artistica e Didattica dell’Accademia del Musical di Castrocaro e Docente di Musical Theatre presso l’Antoniano di Bologna-“Verdi Note Academy”. Parallelamente all’attività di Performer sul palcoscenico, da 25 anni insegna in tutta Italia e all’estero, attraverso laboratori di gruppo e lezioni individuali, le discipline riguardanti il Musical Theatre, attraverso il Metodo di propria creazione VOICE On STAGE, che parte dalla tecnica corporea e vocale, per arrivare all’interpretazione scenica e attoriale, cantata e recitata, allo scopo di formare il cosiddetto triple-threat performer, ovvero l’artista di Musical Theatre, in grado di interpretare sul palcoscenico un personaggio che recita, canta e danza allo stesso tempo. Tale metodologia è adatta a qualsiasi artista che utilizzi la voce e il corpo, non solo performer di Musical Theatre (l’artista completo nelle tre discipline canto, recitazione e danza), ma anche cantanti e attori. Il suo approccio didattico può definirsi di tipo olistico, perché considera l’individuo nella sua interezza, e la mentalità è quella della ricercatrice, perché oltre ad interessarsi di psicologia, psichiatria, neurologia (si diploma all’Università di Ferrara nel Corso di Perfezionamento “Musica e Musicoterapia in Neurologia”), logopedia, posturologia, culture, letterature e lingue straniere (in cui è laureata all’Università di Bologna col massimo dei voti) e in generale di ogni attività umana, sa che è necessario non smettere mai di studiare, per rimanere sempre aggiornati sulle novità nei vari ambiti e perché crede che la conoscenza debba essere uno degli obiettivi fondamentali di ogni essere umano.

FABIOLA RICCI Bio

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